Даглдиян К.Т

Доцент кафедры Д и ДПИ

ф-та Изобразительного искусства ЮФУ

Развитие абстракционизма в изобразительном искусстве.

До начала 20 века в мировом изобразительном искусстве господствующее положение занимала классическая (академическая) живопись, графика и скульптура. Однако в самом конце 19 века в изобразительном искусстве ряда европейских стран, в первую очередь – во Франции и Германии, а затем и в России, начали возникать новые художественные течения, получившие впоследствии одно общее название – модернизм (от лат. «modern» - новый, современный). Это символичное название должно было говорить о появлении чего-то нетрадиционного, новаторского, сообщало о появлении модернистского искусства – нового современного искусства.

Различные школы, течения и направления модернистского изобразительного искусства, возникавшие, как правило, независимо друг от друга в разных странах, имели кроме существенных различий, одно общее - отход от академических канонов классического изобразительного искусства реализма. В то же время различные модернистские течения довольно глубоко отличались одно от другого. Основные различия выражались в разной степени отхода от реалистичного (в том числе, фигуративного) отображения окружающего мира, в различных соотношениях в создаваемых произведениях модернистского искусства и окружающей действительности, в различном понимании взаимоотношений формы и содержания, в различных способах достижения коммуникативности модернистского произведения, главным образом, в способе донесения до зрителей идеи картины или скульптуры.

* * *

Началом переходного периода, а точнее – лёгким «переходным мостиком», между академическим изобразительным искусством и искусством модернизма можно считать (хотя и очень условно) художественное течение, возникшее в 70 годах 19 века во французской живописи и получившее название – импрессионизм (от лат. impression – впечатление). Основоположники импрессионизма – выдающиеся художники Клод Моне, Камиль Писсаро, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, стремились в своих картинах передать самые тонкие впечатления, ощущения и настроения художника от окружающих человека красот живой природы.

Идеология и сущность импрессионизма – это восторженное отношение

к жизни, к природе, наслаждение красотой природного колорита. Основные художественные методы и приёмы импрессионистов заключались в особой манере изображения световой среды, в создании, так называемой,

«импрессионистской воздушной перспективы», в использовании светлых, чистых, сверкающих тонов и сложной красочной мозаики с беглыми декоративными штрихами. Сюжеты картин импрессионистов не затрагивали острых социальных конфликтов и бытовых противоречий.

Ни на шаг не отступая от классического реализма, импрессионисты обогатили и обновили академическую технику изображения живой природы, наполнив её новым чувственным содержанием. Периодом становления, развития и расцвета в живописи импрессионизма, а затем и постимпрессионизма, считаются годы с 1860 по 1900.

В период, последовавшим за импрессионизмом – с 1900 по 1950 год, в изобразительном искусстве происходило активного разрушения любых законов и границ, установленных академизмом.

* * *

В 1905 году группа молодых французских художников – Морис Вламинк, Анри Матисс, Андре Дерэн и ряд других, считавших, что не только классическая живопись, но и имперессионисты, в целом, пассивно воспроизводят окружающий мир, организовала в Париже выставку своих новых работ. Провозгласив своей целью активное отображение окружающей действительности, художники этой группы в своих пейзажах и натюрмортах смело использовали новую и совершенно необычную колористику. Яркие, сталкивающиеся, диссонирующие цвета как бы специально создавали острый контраст с картинами импрессионистов, где в привычных цветовых сочетаниях была лишь усилена яркость цветов и тональных оттенков.

Так как на картинах создателей нового художественного течения посетители выставки увидели совершенно непривычные розовые и голубые улицы, синие деревья и оранжевое небо, то многие из них просто не смогли понять сущности замысла авторов этих произведений и услышать то, о чём «кричали» эти колоритные полотна. В итоге выставка получила шумный, но скандальный успех, а критика не нашла для художников–новаторов других более мягких определений, чем «дикие», «дикари». В дальнейшем название фависты (от франц. fauve – дикий) прочно закрепилось (уже без прежнего пренебрежительного смысла) за всеми художниками, воспринявшими идеи, методы и манеру этого нового художественного течения.

Активно используя для выражения своих мыслей, впечатлений и чувств необычные цветовые сочетания при отображении окружающего мира, «фависты», вместе с тем, в своих картинах достаточно реалистично изображали природу и предметное окружение человека.

* * *

В первом десятилетии 20 века в Австрии и Германии возникло новое художественное направление, распространившееся вскоре в европейском искусстве и получившее название – экспрессионизм (от лат. expressio – выражение, выявление). Предшественниками этого нового направления считаются художники: бельгиец (англичанин по рождению) Джеймс Энсор, норвежец Эдвард Мунк, швейцарец Фердинанд Ходлер и, оказавший наиболее сильное влияние на становление экспрессионизма, голландец Винцент Ван Гог.

Идеи экспрессионизма были активно восприняты группой молодых немецких художников, создавших в Дрездене в 1905 году художественное объединение «Мост». Своей главной творческой задачей экспрессионисты считали передачу в своих картинах с крайней формой выразительности психологического духовного начала. Ради этой предельной экспрессии деформировалась отображаемая действительность, геометрически упрощались формы, «импрессионистская» воздушная перспектива заменялась плотными массами однородных тонов, в линейных очертаниях преобладала изломанность с резко контрастной динамикой. Сюжеты и композиция картин экспрессионистов, отражая состояние духовного мировоззрения художника, остро подчёркивали его полный разлад с окружающей социальной действительностью. Человек на картинах экспрессионистов мог только страдать от жестоких условий своего существования во враждебном ему мире. Экспрессию большинства таких полотен можно было определить словами: острые переживания, страдания, боль. Полностью оставаясь на позициях экспрессионизма, объединение «Мост» просуществовало до 1912 года.

К этому времени в Германии сформировался ещё один крупный центр

экспрессионизма. В 1911 году группа художников, довольно интернациональная по своему составу, основала в Мюнхене художественное объединение «Синий всадник». Одним из главных организаторов и активных участников этого объединения был, работавший в Германии, русский художник Василий Кандинский. (Достаточно сказать, что в 1909 году в Мюнхене В.Кандинским совместно с А. Явленским было организовано «Новое художественное объединение», а совестно с Францем Марком основан альманах «Синий всадник». На выставке картин, организованной в 1911 году редакцией альманаха «Синий всадник» и ставшей отправной точкой для создания художественного объединения «Синий всадник», были представлены 43 работы В. Кандинского).

Члены объединения «Синий всадник» стали идейными приемниками

объединения «Мост», продолжая развивать идейные принципы и художественные традиции экспрессионизма. Однако в поисках нового участники «Синего всадника» постепенно отклонялись от идеологических и художественно-творческих установок «Моста». Социальная обострённость сюжетов картин постепенно снижалась и заменялась поисками той сущности изображаемых объектов, которая находится по ту сторону их натуральной внешней видимости. Это было началом пути к абстрактному искусству, что подтверждает, написанная В. Кандинским в 1910 году, картина «Первая абстрактная акварель».

Объединение художников-экспрессионистов «Синий всадник» просуществовало до 1914 года, но это не означало, что экспрессионизм как художественное направление прекратил своё существование.

* * *

Не прекращающиеся поиски новых путей развития и расширения изобразительных средств в живописи и скульптуре привели к появлению во Франции нового художественного течения, получившего название – кубизм.

1908 год, когда на парижской выставке художники-кубисты показали публике свои работы, принято считать началом этого течения в изобразительном искусстве. Из Франции кубизм распространился в другие страны, в том числе и в Россию.

Теоретическим обоснованием кубизма служило представление о возможности более точного отображения всех явлений и объектов окружающего мира (включая и человека) путём упрощения и геометризации всех видимых внешних форм. Воздушная перспектива и изображение пространства объявлялись ненужными, а объёмность и пространственность

должны были достигаться только расстановкой и сопоставлением изображаемых объектов. Следуя этим принципам, художники-кубисты становились единоличными и независимыми создателями новой действительности, стремясь достичь в своих произведениях «тотальности изображаемого». Занимаясь решением во многом формальных изобразительных задач, кубисты не отрицали сложившихся художественных традиций и стремились достичь в своих строго выстроенных картинах и скульптурах гармонии и общего единства.

На возникновение и становление кубизма значительно повлияло творчество двух художников – Пабло Пикассо и Жоржа Брака, которых принято считать основоположниками этого течения. Основы принципов кубизма были заложены ещё молодым Пикассо в большой картине «Авиньонские девицы», написанной в 1907 году и положившей начало кубистской живописи. В этом же 1907 году Жорж Брак, познакомившись с картиной Пикассо и сразу же попав под его творческое влияние, пишет свою картину «Обнажённая», в которой впервые использует принципы кубизма.

Некоторые представители кубизма предпринимали попытки объявить предшественником этого направления Поля Сезанна, что не соответствовало исторической истине. Геометризация отдельных элементов в картинах Сезанна являлась лишь условным художественным приёмом и никак не могла рассматриваться, как попытка заложить основы кубизма.

Из наиболее известных и последовательных художников периода становления кубизма выделяются Хуан Грис, Фернан Леже и Альбер Глез.

В 1913 – 14 годах начинается более активное проникновение и становление кубизма в скульптуре. Основоположниками кубистской скульптуры принято считать украинского и американского художника и скульптора Александра Архипенко, Анри Лорана и Жака Липшица. В работах этих скульпторов уже отчётливо просматриваются принципы кубизма: снижение динамики и пластики скульптурных форм на основе их геометризации, утяжеление и возрастание статичности.

* * *

Примерно через год после возникновения во Франции кубизма в Италии очень активно заявило о себе новое течение в искусстве, получившее название футуризм (от лат. futurum – будущий). Из Италии футуризм распространился в другие страны, в том числе и в Россию.

В отличие от других модернистских течений футуризм начинался не с изобразительной практики, а с опубликования и активного распространения целого ряда теоретических программных манифестов, первые из которых появились в 1909 году в Милане, Риме, Венеции и других городах Италии. В своих манифестах футуристы излагали своё понимание способов отражения окружающей действительности средствами живописи, скульптуры, музыки и литературы.

Краеугольным положением футуризма было абсолютное отрицание не только всего прошлого, но и современного ему искусства, и создание нового искусства, с новыми целиком и полностью современными сюжетами, несущими в себе ощущения нового мира. Пространство этого созданного художником мира должно быть заполнено динамизмом, энергией, силой, движением, быстротой.

Главным основоположником футуризма считается итальянский художник и скульптор Умберто Боччони, выставивший в 1911 году серию своих футуристических картин «Состояние души». К наиболее известным художникам, стоявшим у истоков итальянского футуризма, относятся: Карло Карра, Луиджи Руссоло, Джино Северини.

В отличие от других стран итальянский футуризм был во многом политизирован, что придавало ему чрезмерно наступательный и иногда агрессивный характер.

К началу I-ой мировой войны период активного развития футуризма закончился.

* * *

Наиболее поздним этапом развития модернистского изобразительного искусства стало направление, получившее название абстракционизм (от лат. abstractio – отвлечение) и представленное, главным образом, абстрактной живописью и абстрактной скульптурой. Абстракционизм требовал от художника полного отказа от реалистичного изображения любых объектов и явлений окружающего мира, считая что это только мешает ему выявить, а затем выразить их внутреннюю сущность. Таким образом, полностью абстрактными живопись или скульптура становятся с того момента, когда в них исчезают всякие следы связи с реальным изображением объектов окружающего мира. С этим условием напрямую связано второе название абстакционизма - «беспредметноое изобразительное искусство». Родоначальниками этого нового вида искусства принято считать сразу нескольких различных по своим творческим методам художников: Василия Кандинского, Пита Мондриана, Франца Купку, Робера Делоне, Казимира Малевича.

Началом пути к абстрактной живописи русского художника

В. Кандинского считается написанная им в 1910 году полностью абстрактная (беспредметная) картина «Первая абстрактная акварель». В последовавшем за ней целом ряде «Импровизаций» и «Композиций» почти полностью или же полностью отсутствует предметность окружающего мира. С 1912 года

Кандинский уже прочно и уверенно стоит на позициях абстракционизма.

Работавший в Париже голландский художник П. Мондриан, в 1912 году показал свои первые картины, выполненные методом геометрически прямоугольной, плоскостной живописи и полностью лишённые какой-либо предметности.

Чешский художник Ф. Купка, работавший в Париже, написал в 1912 году абстрактную картину «Фуга красного и синего»

Французский художник Р. Делоне, экспериментируя с цветовыми сочетаниями и стремясь с их помощью отражать в своих картинах различные движения и ритмы, показал в 1912 году на парижской выставке серию работ «Симультанные окна», за которыми последовала серия уже полностью абстрактных «Симультанных дисков».

В 1913 году русский художник К. Малевич выставил свою абстрактную картину «Чёрный квадрат» и в дальнейшем продолжал развивать метод сочетания и компоновки на формате с белым или цветным фоном, главным образом, плоских геометрических фигур. Свой метод Малевич назвал «супрематизмом» (от франц. supreme – высший), а художественные результаты использования метода – «Супрематическими композициями».

Наряду с основоположниками абстракционизма у его истоков стояли:

Франсуа (Франсис) Пикабия, уже написавший к 1909 году несколько абстрактных акварелей, швейцарец Пауль Клее, и русские художники Михаил Ларионов и Наталья Гончарова.

За время своего активного существования не все модернистские направления и течения прошли проверку временем. Появившиеся позже традиционного абстракционизма, такие течения как дадаизм, поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство и им подобные не могут считаться дальнейшим развитием модернистского изобразительного искусства и в первую очередь потому, что полностью отказываются от изобразительной художественной деятельности, заменяя её созданием оптических эффектов, подбором и компоновкой самых различных и зачастую неэстетичных предметов быта.

Но те виды модернизма, которые сумели доказать свою жизнеспособность и подлинную новаторскую прогрессивность, нашли своё определённое место в культуре многих стран мира в качестве нового направления в изобразительном искусстве.